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mardi 17 février 2015

Les lampes en mosaïque de verres colorés de Fabienne Leblond

Lampe vitrail par Fabienne Leblond - Détails
Lampe sculpture
Elle est là ! Chez moi ! Ma veilleuse tonique  allumée dès la tombée du soir jusqu'au coucher, mon ancrage lumineux et coloré des heures sombres. Mon paysage intime, lampe sculpture "la mémoire et la mer sous un autre regard", titre donnée par Fabienne Leblond à sa création en mosaïque vitrail, et dont l'écho musical m'accompagne au moment où j'écris ces lignes. Du sable et de la roche à la douce aube aquatique vient le flamboiement d'un coucher de soleil puis la profonde nuit veloutée des bleus sombres.Séquences de temps et d'espace mêlés. Et de quoi se perdre à l'infini dans les nuances du verre...

Lampe sculpture - Détail

Pour en savoir plus sur le beau travail de Fabienne, elle a accepté de se présenter et de répondre à mes questions :

* Quel est ton itinéraire créatif ? Comment as-tu été amenée à travailler avec le verre et la lumière ?

Plutôt cataloguée comme intellectuelle, toute ma vie professionnelle a été consacrée à la formation et la recherche. J’ai découvert la mosaïque avec des émaux de Briare un peu par hasard par une amie qui animait un atelier pour des personnes âgées dans un établissement. Par ailleurs j’ai toujours été attirée par le travail de Tiffany que j’avais pu observer de près lors d’une exposition à Paris.  C’est un peu par hasard il y a une dizaine d’années que je me suis lancée dans cette aventure. Les premières lampes que j’ai réalisées ont été destinées à mes filles pour un cadeau de Noël sous forme de plaisanterie. Ayant bénéficié de nombreux cadeaux faits main réalisés lorsqu’elles étaient enfants, je souhaitais leur rendre la pareille. A leur grande surprise et à la mienne d’ailleurs le résultat n’était pas si mal. Je n’avais aucune technique, aucun modèle pour me référer, de l’expérimentation pure.
   
* Qu'est-ce qui te passionne dans ce travail ?

 Ce qui me passionne  dans cette technique c’est l’éternelle surprise que l’on peut ressentir après le jointage et les finitions. Ce mélange des couleurs et les effets de lumière m’étonnent sans cesse. Par rapport au vitrail jointé par un fil de plomb, cette technique permet de réaliser des tesselles minuscules et d’obtenir des prismes de couleurs beaucoup plus intenses.


* Quelles techniques utilises-tu ?

Lampe Champignon
Le verre utilisé est un verre vitrail semi opaque ou translucide, une pince zigzag, de la colle transparente, du joint mosaïque noir et beaucoup de patience. Il ne faut pas avoir peur de se couper car pour des morceaux si petits c’est inévitable, bien se protéger les yeux des éclats, se tacher les mains. De la patience, beaucoup de patience et du temps. 

Verre et Lumière - les lampes en mosaïque de verre de Fabienne Leblond

Variation en noir et blanc - Fabienne Leblond
* Qu'elles en sont la complexité ?

C’est l’opération de découpe du verre qui est la plus complexe. Le verre ne se prête pas à tout. Si je décide de découper un rond c’est extrêmement minutieux. Ce qui m’a valu une tendinite assez grave sur des modèles de lampes constituées essentiellement de ronds.  Je ne peux pas réaliser plus de deux lampes par mois. Je ne pourrais vivre de cette activité si je veux que les prix soient accessibles. La deuxième difficulté est le choix du support en verre blanc dans des prix raisonnables si je veux pouvoir vendre ces créations.

Lanterne chinoise - Fleur de Pavot- Fabienne Leblond
Lampe de table Tournesols - Fabienne Leblond

* Quels sont  tes autres centres d'intérêts ?

Tout ce qui touche à la relation à l’autre, le partage, la nature et les fleurs. Je vis dans une maison isolée au milieu de la forêt des Landes. La famille, mes deux filles et ma petite fille aujourd’hui. Les voyages, la lecture, la musique, certains créateurs d’ALM. J’aime faire des échanges avec les créateurs que j’aime.

* Peut-on te commander une création personnalisée et quel éventail proposes-tu ?

Bien sûr. J’accepte de réaliser des commandes personnalisées ans un délai de quinze jours environ si je n’ai pas d’autres commandes en cours.  J’alerte parfois sur la faisabilité ou le mariage de certaines couleurs. Si vous avez un support, je peux également l’habiller. Les modèles sont différents : lanterne, boule ronde de différentes tailles, circulaire, rectangulaire ou carré. Ce peut être un lustre à suspendre. Il faut qu’il soit électrifié.

Pour l’instant même si j’ai une boutique sur Etsy en sommeil, sur Facebook. Je suis essentiellement sur ALM (ALittleMarket) comme je fabrique les lampes en petite quantité.

*****
Je ne peux que vous encourager à suivre son travail et vous faire un petit délice en vous offrant ses créations !



samedi 13 septembre 2014

Sculpture Inuite contemporaine : Quelques exemples

Le Musée des Beaux Arts de Winnipeg (Winnipeg Art Gallery) abrite la plus grande collection d'art inuit contemporain au monde. Je n'ai pu en voir hélas que quelques pièces, celles de l'exposition "Highlights of Inuit Sculpture", qui en propose des exemples représentatifs : le parti-pris tiré d'emblée du matériau, de sa structure comme de sa surface, qui en détermine le motif et le thème ; la persistance générale de sujets traditionnels, l'adéquation de motifs traditionnels, quoique récents dans l'histoire de l'art inuit, avec les arts contemporains. C'est un art fascinant, nouveau pour moi qui suis étrangère à cette mythologie et doit recréer du sens en puisant dans mes sensations et mon réservoir imaginaire, et j'espère de cet article un échanges sur vos propres perceptions de ces sculptures.

"Pièces remarquables de la sculpture inuite"

"Cette exposition propose quelques-unes des sculptures remarquables d'artistes inuits de la collection permanente de la WAG (Winnipeg Art Gallery). Le matériau le plus couramment utilisé par les artistes inuits est la pierre , dont la nature dépend  des carrières locales. Certaines communautés n'ont que de petits gisements de pierre à sculpter à proximité et les artistes ont souvent recours à l'utilisation de matériaux organiques, tels que l'ivoire, bois de caribou et os de baleine. Des artistes tels que Charlie Ugyuk de Taloyoak sont  célèbres pour leur utilisation expressive de vieux os de baleine.

La plupart des sculptures sont  relatives à des légendes et des croyances chamaniques traditionnelles. Deux œuvres de Aqjangajuk Shaa et Manasie Akpaliapik représentent le puissant esprit féminin de la mer, connu sous les noms Sedna, Taleelayuk, ou Nuliajuk. Plusieurs autres pièces montrent des chamanes partiellement transformés en  esprits animaux: morse, le caribou, et  oiseaux. Une oeuvre d' Abraham Anghik Ruben symbolise le rituel mort / renaissance de l'apprenti d'un chaman. Un des aspects fascinants de la sculpture inuite est la façon dont les qualités intrinsèques des différents matériaux de sculpture sont utilisés pour créer des œuvres uniques et évocatrices."
(D'après la présentation de l'exposition "Highlights of Inuit Sculpture"






Toutes précisions et identifications des oeuvres et artistes sont les bienvenues, n'hésitez pas à commenter. En effet, il m'a été difficile de mémoriser les noms des auteurs, et mes recherches sur le net ont été peu fructueuses. Je mettrai cet article à jour si de nouveaux éléments sont apportés à cet article.







 

dimanche 24 février 2013

Bijoux vintage norvégiens

Mais non, vous ne rêvez pas ! Illulu est partie se perdre dans les grands froids norvégiens cette fois !
A l'origine de ce singulier et dépaysant détour, deux magnifiques pendentifs en bronze massif dénichés en brocante, acquis avec avidité pour le plaisir en y jetant un bref coup d'œil, et qui se sont révélés, oh surprise ! être de bien belles pièces. Signées. Et voilà ! C'était parti pour les obscurs recoins du net pour en dénicher l'origine, l'auteur, la période...pour atterrir dans les bijoux vintage des ateliers norvégiens des années 60 ! Mes connaissances "puzzle" de l'histoire du bijou s'enrichissent et m'amènent à vous en livrer un petit résumé et une sélection de ce que j'ai particulièrement aimé.

Une petite présentation (mais non datée) trouvée sur le site de Francis Michel :
Depuis les temps les plus reculés la Norvège fut le siège d’une tradition de bijouterie originale. On trouve déjà des bijoux Viking de grande qualité en or et en argent. Des mines furent exploitées en Norvège et en Laponie dès cette époque. Au XiXème les réalisations traditionnelles en argent (sølje) sont très en vogue. la broche de mariée en filigrane avec des pièces mobiles en forme de cuiller sont les plus courante. On trouve aussi des émaux sur argent qui deviendront très en vogue au XXème.  Les premières signatures à remarquer : Marius Hammer (1847-1927) et David Andersen qui fonda la firme David-Anderen en 1876. Le XXème voit se développer un important mouvement de création dans de nombreux ateliers dont nous donnons quelques noms en appendice. Des artistes divers travaillent pour David-Andersen puis lance leur propre production. Entre les deux guerre la bijouterie reste asse traditionnelle (argent et émaux surtout) mais dans les années cinquante un nouvelle ligne moderniste voit le jour de style typiquement scandinave. les ateliers PLUS furent un lieu d’innovation très important dans le renouveau du bijou norvégien. Anna Greta Eker et Tone Vigeland s’y firent remarquer. La production de David-Andersen se transforme elle aussi sous l’impulsion de Bjørn Sigurd Østern notamment mais poursuit une ligne traditionnel avec Willy Winnaes mais dans une ligne plus épurée. Les liens avec les autres productions scandinaves sont évidents. Cette production reste très vivante de nos jours.

UNN TANGERUD :
Les bijoux de UnnTangerud sont l’expression d’un simplicité et d’un inspiration primitive souvent inspirée par la culture nordique ancienne. les matériaux utilise sont l’argent, le bronze, l’or ou le cuivre avec des pierres semi-précieuses et de l’émail.Elle fit partie de l’équipe de Uni David-Andersen dans les années soixante. Travaillant pour la série Troll elle créa des motifs qu’elle assemble de façon répétitive. C’est ce qu’on observe dans ses réalisations en bronze et en argent où les éléments se retrouve dans diverses configurations. On peut faire un parallèle entre ce travail et celui de son collègue finnois Pentti Sarpaneva. Dans ses derniers travaux on trouve des émaux ans la série Rustika où les formes généreuses sont inspirées de l’art nouveau se mêlant aux émaux colorés des années septante. (source : Le bijou norvégien

Pendentif en bronze massif - U.Tangerud pour D.Andersen
Pendentif en bronze massif - U.Tangerud pour D.Andersen
D'autres œuvres d'Unn Tangerud :

Broche par Unn Tangerud

Et une petite sélection de créateurs designers de bijoux norvégiens des années 1960 :

Regine (1939- ) and Frank Juhls (1931- ) :
Les Juhls étaient fascinés par la nature de la toundra et par le people Sami (les lapons) qui y vivaient. Ils commençèrent à réparer leur bijoux en argent et dévelopèrent ainsi une renaissance de la bijouterie traditionnelle et des costumes folkloriques. Certains de leurs bijoux sont inspire des découvertes dans les anciennes tombes; ils ont des formes animals semblables aux creations studio avec des influences naives.Cependant, ce sont les creations modernes qui ont fait la renommée internationale des Juhls. La collection de Régine appelée “Tundra”, inspire par le vaste pays arctique comme elle le dit elle-même est particulèrement élegante. C’est le résultat d’une vie isolée, loin des grandes villes, dans la fascination du mode de vie nomade, proche de la nature, des pierres, des lichens et de la mousse don’t elle emprunta les formes.
Regine et Krank Juhls "Tundra Serie's" années 60
La collection est caractérisée par des surfaces inégales, des espaces vides, une surface brute non polie en argent blanc et parfois des pierres vivement colorées. Les premières pièces et les prototypes sont faits de petites pièce martelées et soudées ensembles.(source : Le bijou norvégien

Studio Else & Paul Else (1938-2002) and Paul (1934-81) Hughes

Else et Paul Hughes prirent part au mouvement Studio en Norvège au début des années soixante. Paul C. Hughes est né 1934 à Leigh-on-Sea dans l’Essex, Else Berntsen Hughes est née en 1938 à Oslo et ils se rencontrèrent à la the Central School of Arts and Crafts, Londres. En 1959 ils créent l’atelier 'Studio Else & Paul' à Hadeland près d’Oslo. En 1962 l’atelier se déplace à Oslo et puis à Asker près d’Oslo en 1967. 

Avec me mouvement Studio la tendance en bijouterie est plus sobre avec des lignes plus simples. la valeur des pièces ne se mesure pas à la valeur des matériaux mais dans l’expression artistique comme c’est le cas pour la peinture. D’ailleurs les petits ateliers ne peuvent pas investir dans des matériaux onéreux. Le bronze et les pierres semi-précieuse remplacent l’or et les diamants. Dans la même période on développe des techniques de production en série pour réduire encore le coût et rendre la bijouterie accessible à un plus grand nombre.

Alors que Tone Vigeland travaillait encore dans la tradition scandinave Else et Paul trouvaient leur inspiration dans d’autres cultures. Ils créèrent leur propre ligne plus diversifiée qui fit leur renommée. La force conductrice de leur créativité dénotant une grande richesse d’invention inspirée de façon non conventionnelle des arts primitives dans un équilibre raffiné de sculpture et de bijouterie. de leur propre mots: “la spécificité d’un bijou vient de sa forme, chaque réalisation doit avoir son caractère propre avec un usage minimum de métaux précieux”.( source : Le bijou norvégien B.Lennart Persson & Svein G. Josefsen (effie-graa.com) - Francis Michel(francismichel.com) - Jean-Jacques Van Molediteur )

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Le fil conducteur de ma petite présentation a bien évidemment été l'irrégularité, l'inspiration de textures naturelles et le jeu de motifs ! ...et au moment où je termine cet article, les grands froids norvégiens se sont invités à Marseille...Il  gèle ! Brrrrr....